Se esta película engadira un pouco de minimalismo autoimposto, podería ter moito máis éxito como estudo de personaxes.
Como "Between the World and Me" de Kamilah Forbes, "Malcolm & Marie" de Sam Levinson e Doug Liman (Doug Liman) Como "Locked Down" de Natalie Morales, "Language Class" de Natalie Morales é obviamente un produto do noso época encerrada, e a súa premisa é especialmente adecuada para as súas limitacións técnicas.Mark Duplas (Marc Duplas) (escribiu o guión con Morales) interpreta a Adam, un novo estudante de longa distancia de Cariño (Morales), profesor de español en Costa Rica.O seu rico marido, Will (Desean Terry), inscribiuse no curso como agasallo de aniversario.Axiña estableceu unha conexión con Cariño, que se fixo máis forte tras unha traxedia inesperada.
A acción da película realízase case na súa totalidade a través dunha serie de chats por webcam, normalmente cambiando entre as pantallas dos portátiles da escena, o que demostra que a forma fascinante de actuar supera principalmente a vergoña inicial.Ademais, aínda que a separación dos actores limita cantas reaccións químicas poden crear, engade ocasionalmente unha sensación de orixinalidade que poden carecer nas películas tradicionais.Cando os personaxes miran directamente á cámara, céntranse nos momentos fráxiles con máis claridade.Concéntrase.
As clases de lingua tamén usan as súas perspectivas limitadas para ampliar os seus conflitos centrais de xeitos interesantes.Despois de que Adam se decatou de que a súa mansión contrastaba marcadamente co ambiente máis humilde de Cariño, pouco a pouco admitiu que tiña un sentimento de culpa polos seus privilexios en relación aos seus, e as súas videochamadas proporcionaban información limitada.É unha forma eficaz de explicar de forma eficaz canto podes facer.Comprender a vida dos outros.
Do mesmo xeito que "Paddleton" de Alex Lehmann (Dupras tamén coprotagonizou), "Language Lesson" demostrou o seu forte interese polo romance platónico.É un dos acordos de relación menos coñecidos da industria cinematográfica.Ambas as películas desprenden calidez discreta, pero os personaxes aquí non son tan idiosincráticos, o que significa que poden despexar o limiar básico de semellanza, pero só poden levar a historia ata agora.Aínda que hai indicios ocasionais de que Cariño pode estar actuando para a cámara, e Adam non está autorizado a participar en todos os detalles da súa vida fóra do curso, o visor da película impide que esta idea sexa explorada de forma significativa.A falta de momentos persoais ou interaccións no mundo real, os diálogos poden chegar a ser excesivamente ilustrativos, xa que se ven obrigados a asumir a maior parte da narrativa pesada por si mesmos.
Durante a chamada anterior só de voz, acendeu accidentalmente a cámara e expuxo brevemente a Adam cunha cara magullada e os ollos escuros.Un Carinho avergoñado retirouse de súpeto e estableceu con el un profesor máis profesional.Relacións e desexo recente de manter a súa vida privada.Ao final, os dous víronse obrigados a enfrontarse mutuamente ás diferenzas e algúns argumentos eran demasiado claros sobre as inseguridades e estereotipos que ameazaban a súa próspera amizade.Nos primeiros tempos, a tensión entre clase, raza e xénero detrás deste intercambio intercultural foi sutilmente minimizada, polo que cando a historia toma un tratamento máis intuitivo do tema, é unha vergoña.A revelación final da trama tamén pode ser demasiado.Demasiado.Se esta película engadira un pouco de minimalismo autoimposto, podería ter moito máis éxito como estudo de personaxes.
Actores: Natalie Morales (Natalie Morales), Mark Duplass (Mark Duplass), Disney Terry (Desean Terry) Director: Natalie Morales (Natalie Morales) Guión: Mark Diplas (Naslie Morales), Natalie Morales (Natalie Morales) Tempo de estrea: 91 minutos Valoración: NR Ano: 2021
Os personaxes desta película están cheos de medos paradoxais que só poden ocorrer nos soños.
"Fabian: Going the Dogs" (Fabian: Going the Dogs) de Dominik Graf comeza cun lento tranvía que baixa as escaleiras ata a fermosa estación de metro de Berlín.Aínda que calquera que coñeza o material orixinal da película, como a novela de Erich Kästner “The Fabians: A Moralist's Story” publicada en 1931, espera que esta historia teña lugar en dous lugares de Alemaña.Entre a Segunda Guerra Mundial, pero agora é obvio para nós, porque a xente da pantalla leva polos e vaqueiros entre outras cousas.Non obstante, cando a cámara pasa pola estación e sube ata a escaleira contraria, o viaxeiro poñerase a roupa do tempo previsto.A cámara sobe as escaleiras e finalmente sitúanos na zona crepuscular da República de Weimar, ou polo menos cando Graf realiza conscientemente simulacións incompletas dela.
Outros sinais indican que, desde as rúas de formigón negro ata as vislumbres particularmente obvias de stolpersteine, todos estamos no momento, con tropezos de bronce incrustados nas beirarrúas para conmemorar ás vítimas do Holocausto.Tesla de Michael Almereyda lembrou que este enfoque telescopio das novelas históricas enfatizaba a nosa posición con respecto aos acontecementos observados.Non obstante, o método de Graff pode resistir os dispositivos de alienación excesivamente estimulantes, como o narrador que minimiza as entradas de Google ao seu alcance.Ademais, a tola e severa estética lúdica utilizada polos cineastas encaixa na súa temática, a saber, a sociedade caótica da efímera República de Weimar.A turbulencia e a ansiedade xeneralizada da República de Weimar xeraron polo menos algunhas das máis arte e vida en Berlín.Experimentos tolos, antes de que estes fosen sufocados polo estado alemán escorregando no fascismo.
Despois de que se abre a lente de seguimento lento e metódico, Fabian estalou unha serie de imaxes, alternando rapidamente entre películas granuladas de baixa especificación e vídeo dixital lavado.Presentaronnos a Jakob Fabian (Tom Schilling), un veterano conmocionado e licenciado en literatura, e nunha noite ruidosa, estaba preparado para asumir o traballo de redactor publicitario.Fabian vai a casa cunha muller maior (Meret Becker), só para descubrir que necesita asinar un contrato co seu marido para durmir con ela, e ata pode ter dereito a unha compensación.Canso da mestura cínica de abandono empresarial e trámites oficiais, que foi a base para o seu traslado da vida nocturna de Berlín, fuxiu de volta á noite.
En todo o mundo, Fabián non pode facer fronte ao espírito dos tempos, e o abandono desesperado das relacións humanas determina o camiño da vida de todos os que coñece.Un compañeiro incompetente roubou a súa idea de campañas publicitarias e, como resultado, perdeu o seu traballo.Pouco despois, coñeceu e namorouse da actriz Cornelia (Saskia Rosendahl) que coñeceu, e esta última pasou a vivir no seu edificio.Fabián viuse obrigado a aceptala como amante dun cineasta para poder entrar na película.
En xeral, esta historia sobre a incapacidade dos mozos para tratar emocionalmente o comportamento sexual do seu amante é unha historia descoñecida.Pero Graf conseguiu facer viva esta ilusión mantendonos afastados de Fabián, cunha narración de voz en off artificial e autorizada (alternando voces masculinas e femininas).Aínda que, ou quizais porque fomos evacuados da parella, o seu cortexo converteuse no único no mundo que podía criar un can.Marcados polo tipo de mozos estúpidos e interesantes, abriuse inmediatamente uns aos outros, conspiraron para evitar o propietario, os hippies nun lago ás aforas de Berlín e realizaron espontáneamente bailes folclóricos nocturnos entre os fans -sinceridade de Fabian e Cornelia Romance. rompe a tráxica ironía da narración de dobraxe.
O nobre Albrecht Schuch, colega do proxecto Fabián, representa unha excepción ao siniestro ridículo da sociedade no seu conxunto.Labude está moi preocupado pola tese posdoutoral.Tamén é un socialdemócrata activo e un instigador dos principios de racionalidade e xustiza.Cos seus ideais, esta persoa, do mesmo xeito que os viaxeiros que agardan no andén do tren ao comezo da película, parece estar en silencio polo momento.Os seus pensamentos non están adaptados ao desenvolvemento dos tempos.Pode ser por iso que Fabián parece estar máis desanimado.Ten sempre a última palabra na súa conversa.Nun momento dado, cando Fabián era só para observación e non para a súa propia defensa, Labude preguntou: "Como axuda isto?"O derrotista de Fabián respondeu: "A quen se lle vai axudar?"Capas de sombras.
Ao final, tanto a frívola axitación política socialista de Labude como a actitude de escritor a longa distancia de Fabián foron tragadas polas tendencias históricas.Aínda que o libro de Kästner foi publicado menos de dous anos antes de que os nazis chegasen ao poder, transmitiu a premonición de que a República de Weimar estaba a piques de rematar, pero non entendía o que estaba a piques de suceder, pero nós e a película herdamos estes terribles detalles, xa que parte dos nazis.historia mundial.Este escuro libro satírico de Kästner fai que a xente se fixese na sociedade na que vive o seu autor.O filme utiliza o bris das súas imaxes, o seu tempo e espazo caóticos e a lóxica onírica dos cómics grotescos, que lembran o pesadelo do pasado.O seu carácter está cheo dunha especie de medo contraditorio, que só pode ocorrer nos soños; o medo ante o gran desastre é inevitable porque xa pasou.
Intérpretes: Tom Schilling, Saskia Rosendahl, Albrecht Schuch, Meret Becker, Michael Wittenborn (Michael Wittenborn), Petra Kalkutschke (Petra Kalkutschke), Almarscha Stadelmann (Almarscha Stadelmann), Anne Bennent (Anna Bennent), Eva Medusa Gun (Eva Medusa Gühne) Dirección: Dominique Graff Guión: Dominique Graff, Konstantin Ribb Tempo de lanzamento: 178 minutos: NR Ano: 2021
A diferenza de Malcom & Marie, o debut como director de longametraxe de Daniel Brühl resultou ser un auténtico auto-moldeo.
Ao lado está o papel de Daniel Brühl como actor no mercado cinematográfico mundial e o luxo que conlleva, unido a unha narrativa de represalia suprimida que parece Sam Levinson na superficie (Sam Levinson) "Malcolm & Marie".Pero ao manipular a película para verificar os dereitos de axencia en pantalla do guionista e do director da axencia, o debut do director de longametraxe de Bruhl resultou ser unha verdadeira sátira de auto-edición.Brühl non se entregará á falsa humildade de moitas sátiras de Hollywood;de feito, “next door” é a cruel sátira desta forma de complicidade, na que as estrelas do cine, e mesmo a xente común, están en política Ao corrixir o meu bromuro, vivín unha vida que me gustaba, pechando a vista gorda ao medio circundante. , especialmente os moitos case xudeus que podían permitirse o luxo de pagar.Complicadamente entender a supervivencia dos servos das clases medias e altas.
Bruhl interpreta á estrela de cine Daniel (Daniel), é parecido a el en todos os aspectos.Do mesmo xeito que Brühl, Daniel goza de privilexios en Colonia e avanzou considerablemente no mundo do espectáculo.Ao comezo de Next Door, Daniel preparábase para facer unha audición no seu apartamento de luxo en Berlín para interpretar un papel nunha superproducción secreta, que lle recordou o seu papel en Capitán América: Guerra Civil "No papel.Así que, a modo breve, estamos tentados a pensar que esta película será un fragmento improvisado de ficción da vida de Brühl, que probablemente dependerá da gran audición ata que aparezan os obstáculos.Daniel parou no bar indo ao aeroporto e foi aloxado por un Bruno común (Peter Kus).En marcado contraste, estas persoas realizaron estudos dramáticos: Daniel vestíase ben, completou exercicios matinais e hábitos alimentarios sabios, mentres que Bruno era maior, torpe e aparentemente afeito a comer.Almorzo e cervexa máis ricos.Con todo, os ollos de Bruno non son suaves, porque desde a súa primeira aparición na película, este home exuda sabedoría e rabia ácidas.
Cando a xente loita coa vontade, o guión de Daniel Kehlmann mostra sutilmente a nosa lealdade.Daniel é un idiota humilde que está no máis mínimo golpe na película.Unha vez, díxolle ao dono do bar que estaba contento de non tomar café forte porque era amargo e podía causarlle un infarto.Este xesto son os seus pensamentos humildes, cando as persoas que realmente pertencen a ese bar poden non necesitar pensar no concepto de humildade.Tamén hai unha broma astuta, que é graciosa ao principio, e logo se converte nunha ameaza.Neste caso, as persoas (desde o propietario do bar ata os seus fans) entran nos arredores do bar sen a verdadeira atención de Daniel, o que se manifesta de forma concisa Era cego ante o proletariado ata que este forzou unha estimación.
Non obstante, Bruno definitivamente non é un heroe da clase traballadora proposto para o consumo sinxelo de ricos sermóns.O home estaba moi descontento, dirixíase amargamente e, á súa maneira, estaba tan cualificado como Daniel, como demostra a forma en que se inseriu na mañá de Daniel, insistindo ao actor en que a súa película é unha merda, e Persoalmente insultouno.Daniel díxolle a Bruno que as súas opinións eran irrelevantes porque pensamos que tal afirmación formaba parte da defensa dos personaxes públicos.
Estes dous personaxes adoitan ser pouco simpáticos, aínda que ambos son moi atractivos e relacionados entre si, e xuntos exercen os nosos celos e resentimentos cara á elite social, o que fai de “Next Door” unha calidade ansiosa, e incluso pode ser especialmente deste xeito. ., E a conversación entre Daniel e Bruno foi tranquila e agresiva só nun sentido pasivo.Nos primeiros días era obvio que Daniel non abandonaría este limiar, e pode nin sequera querer estar nun nivel subconsciente, porque os homes úsanse uns a outros para expulsar os seus demos culturais.Descubriron que o noxo uns cos outros é acompañado.Neste sentido, a película lembra a moitos thrillers de Hitchcock, especialmente "Stranger on the Train", que tamén inclúe a un axente caótico chamado Bruno.
O guión provoca varias explicacións de Bruno para Daniel, cuxa razón máis clara é o resentimento de Bruno pola tensión uns días antes da reunificación de Alemaña.Bruno afirmou inicialmente simpatizar coa Stasi, dada a crise financeira na Alemaña Oriental en relación coa Alemaña Occidental, a fenda social entre Stasi e Daniel e Bruno foi paralela.Non obstante, esta idea nunca foi examinada a fondo, e en realidade existe como unha decoración de fiestras para a escena do rastreador.Con todo, Brühl quere respectar a calidade da vida cotiá, especialmente a forma en que os homes gozan do luxo na decepción, e confúndese con demasiado cedo no día, e nunca se dedicou por completo a investigar nos mecanismos do xénero.Imaxina un descoñecido nun tren, sen soltar o seu aparello extático.
Na segunda metade de Next Door, os extremos soltos e infrautilizados seguiron acumulándose, chegando finalmente a un final conscientemente incompleto.O tipo de gracia desprezable que recibiron estas persoas ao final da película uniunos nun ambiente desolado e fíxoos unir a través de enormes barreiras sociais.Isto mostra un punto de inflexión máis que unha conclusión, que nos fai sentir mellor.Unha película de parella anormal que nunca se fará realidade está lista.Este misterio inexplicable é de feito consistente co deseño da película, recoñecendo a desigualdade, que adoita afectar ás nosas vidas, normalmente sen comentarios nin catarses.No caso de "Next Door", tal conclusión é máis válida teoricamente e parece ser unha estratexia de saída para cineastas que aínda non pensaron completamente no final.
Actores: Daniel Brühl, Peter Kurth, Aenne Schwarz, Nils Doergelo, Rike Eckermann ), Vicky Krieps (Vicky Krieps) Director: Daniel Brewer (guionista): Daniel Kehlmann (Daniel Kehlmann) Tempo de estrea: 94 minutos Clasificación: NR Ano: 2021
Esta película insinúa a fusión das películas Eco Doctor e Acid Western, e esta diferenza entre os diferentes xéneros leva a unha misteriosa atmosfera de tensión.
"A Shape of Things Come" de Lisa Malloy e Monaco (JP Sniadecki) insinúa a fusión dos documentais ecolóxicos e o desolado oeste ácido, e as diferenzas entre estes xéneros provocaron unha tensión misteriosa.Ás veces, Sundog, o recluso de barba longa no centro da película, é como un hippie entretido, bebendo cervexa, bailando nun bar local, lendo novelas e disfrutando con varios animais nun ecosistema temporal de rancho. Deserto de Sonora preto da fronteira con México.Noutros lugares, parecía que tiña dentes, apuntou cun rifle de gran potencia á torre de vixilancia, patrullaba o coche da Patrulla Fronteiriza con desprezo e fai rabietas.Podes atoparte nunha escisión, ben vendo a película para celebrar a autosuficiencia dunha persoa, nesta época dependemos profundamente de Grid ou preocupándote de que sexa unha persoa estraña que expresa a súa insatisfacción á súa maneira. de excepcionalidade social.Para Sundog, este é o seu camiño ou estrada.
A forma das cousas por vir está en gran parte inmersa na vida cotiá de Sundog.Esta película lémbralle á xente o fascinante que son os contornos de varios procesos cando os artistas teñen a confianza de observar o seu tema pero non lles interesa (neste caso, desde a caza e matanza de animais de Sundog ata a súa colleita de sapos no medio do veleno nocturno) .Que cumpran coa narración prescrita.Esta vontade de abandonar a narrativa tradicional coincide coa evitación de Sundog da sociedade tradicional.A vida de Sundog parece estar libre de ruídos, desde a dureza dos anuncios ata o discurso político polarizado, sen excepción.Unha das escenas máis emocionantes da película é que simplemente toma un baño nunha bañeira ao aire libre, escoita sons naturais e goza dun momento de reflexión e confort.Cando se afundiu na auga, era coma se volvese ao útero.
Unha certa expectativa de violencia, unida á ambigüidade do ambiente creativo da película, impediron que "The Shape of Things" se convertese nunha celebración suave e encantadora, vivindo a súa propia vida ao seu xeito.A fotografía inestable de Malloy e Sniadecki rezuma unha sorprendente textura neurótica, que lembra as pinturas de paisaxes de Vincent van Gogh.Nas primeiras imaxes, Sundog foi disparado oblicuamente mentres camiñaba entre varias plantas, suxerindo pinceladas tolas e reflectindo o inquedo espazo da cabeza de Sundog.O filme tamén usa símbolos máis obvios, como os planos de presaxio do avión aéreo (o mensaxeiro de Sundog da corrupción e a contaminación no mundo) e os planos de premonición da serpe de cascabel, que tamén poden ser unha interpretación da temperatura da crecente frustración de Sundog..Usado en conxunto co programa de vixilancia de Broder Patrol.Momentos tan tolos, especialmente en escenas nas que Sundog parece ter cometido graves crimes, fan que nos preguntemos se estamos realmente vendo un documental ou se estamos máis preto dun thriller experimental.
Nos 77 minutos de duración "A forma das cousas no futuro", Malloy e Sniadecki invitan ao público a ler varios significados profundos e inquietantes no título da película.Pode indicar o desenvolvemento tolo de Sundog, ou a loucura do mundo do metal e o plástico que construímos case a partir da natureza herdadora, ou ambas as dúas cousas.Nesta situación bastante perturbadora, podes sentir que Sundog sucumbiría ante a moderna máquina da compañía, porque a súa ira comprensible podería minar a súa capacidade para gozar do excelente pequeno santuario, que é El loitou nunha terra de tolerancia..
Director: Lisa Malloy (Lisa Malloy), JP Sniadecki Estreno: Grasshopper Movie Tempo de lanzamento: 77 minutos Clasificación: Indeciso Ano: 2020
Esta película aterrará e aterrará como unha expresión de confianza ilimitada na nosa humanidade común.
"Raya e o último dragón" de Don Hall e Carlos López Estrada (Raya e o último dragón) traen a Disney e outros eventos de entretemento recentes de Disney. Por exemplo, Moana está vivamente enriquecida e mellorada.Teñen mentes maduras, algúns elementos argumentais extensos e están empeñados en mostrar na pantalla unha variedade de culturas e avatares asiáticos: The Last Chizong.Por suposto, aínda que a serie Nickelodeon se basea nas tradicións do leste asiático, a película incorpora coidadosamente elementos dos países do sueste asiático (incluíndo Vietnam, Cambodia e Laos).
Non obstante, na gran construción do mundo e na diversidade estética, Raya e "O último dragón" lembran máis obviamente a experiencia de ver a película "Star Wars".A viaxe de Raya (Kelly Marie Tran) de terra en terra -desde o mercado flotante de Talon ata o palacio de mármore da Arca- ten os seus propios rituais, paletas e cuestións únicas (por exemplo, en Talon, o artista viste como un doce bebé).Adele Lim (o rico tolo de Asia) e o guión do dramaturgo Qui Nguyen, sen sacrificar o impulso da lendaria historia do protagonista, desvelaron de xeito fascinante o mito do mundo fantástico en constante expansión.
Ao comezo da película, Kumandra é un reino roto destruído por violentos arrebatos entre cinco países illacionistas e perseguido por Druun, un monstro parecido ao smog que traerá a miles de cidadáns convertidos en pedra.Seis anos despois de que o seu pai (Daniel Dae Kim) sufrise esta lacra, Raya busca reconstruír unha xoia máxica esnaquizada e facer que aquel que salvou a Kumandra e exiliou a Druun, o lendario dragón resucitou.
Se este tipo de tramas se desenvolven coa estabilidade e previsibilidade dos videoxogos (en cada país), Raya conseguirá outra xoia e contratará membros para o seu sucio equipo de aventureiros, a paisaxe exuberante e a evolución de Raya evitarán calquera sensación de repetición.De xeito crucial, Raya ten un problema de confianza: foi a súa propia crenza falsa na veciña "Nerd do Dragón" Gemma Chan (Gemma Chan) cando era nova o que levou á destrución da xoia e á liberación de Druun.Cada unha das novas compañeiras de Raya obrígaa a afrontar o seu medo a perder a confianza, e esta película é un bo reflexo dos demos das nenas no ámbito xeopolítico, e os cinco países néganse a unificar as ameazas ás que se enfrontan.
Como o salvador de Raya, o dragón de auga Sisu, Awkwafina ofrece unha actuación sonora de escena roubada única, que inevitablemente lembra a Robin Williams de Aladdin de Disney.) O mago.Contra o fondo sublime da épica fantástica de gran altura, Awkwafina fala rápido e descríbese.Está familiarizada cos seus papeis de comedia pasados.Parece que é doutro mundo e unha figura contemporánea nunha paisaxe fabulosa.Na gran tradición de Disney, abundan amigos encantadores en Raya e Last Dragon, como algúns bichos das pílulas e algúns Alan Tudyk de Amadelo., Xogando o papel de mascota e de transporte ao mesmo tempo, así como o capitán Boun (Izaac Wang), un neno cociñeiro e capitán, a súa familia foi lanzada a Druen.
Aínda que Raya é unha heroína valente e nobre, ten unha confianza en si mesma admirable na súa intelixencia e forza, pero a sorpresa de Namari por traizoala deixa un regusto inquebrantable, que ás veces fai que actúe impulsivamente con rabia ou vinganza.A pantasma enfadada da moza trouxo certo grao de perigo a esta prolongada batalla, que parecía ir máis aló da tarifa baixa habitual de Disney.A través das súas habituais batallas de artes marciais con Namaari, ou batallas con armas e combate corpo a corpo, a feroz coreografía demostra que estas dúas mozas son mortais e perigosas entre si.Para Raya, a refrescante frivolidade baséase na conxelada confusión interna da raíña Arendelle, a raíña Elsa, pedindo ao público que acepte as imperfeccións da heroína, aínda que ás veces sintan medo na acción.Estes conflitos violentos non son os únicos elementos da película que permanecen na escuridade: cando Raya e Sisu se atopan de pés con Tong (Benedict Wong), sós en estado de destrución, a mirada de Raya deambula polo berce baleiro da esquina. , A perda de iluminación sen unha palabra é demasiado dolorosa para discutir.
Raya e o último dragón evitan un final máis escuro e agridoce, para poder saír facilmente da situación: na escena final, a mortalidade e a desesperación sen fondo invírtense facilmente.Non obstante, este público novo quizais non necesite películas de Disney para dicirlles que, como o Druun descrito por Sisu, "a praga derivada da desharmonía humana" causará danos duradeiros.Nos seus propios termos ben descritos, a película usa o lugar de desembarco como unha celebración da esperanza, mostrando como será unha confianza sen restricións na nosa humanidade común.
Actores: Kelly Marie Tran, Awkwafina, Jemma Chan, Daniel Dae Kim, Sandra Oh, Ben Benedict Wong, Izaac Wang, Talia Tran, Alan Tudyk, Lucille Soong, Patty · Harrison (Patti Harrison), Ross Butler (Ross Butler) Director: Don Hall, Carlos Lopez Estrada (guionista), Adele Lim Estreno: Walt Disney Studios Motion Pictures Tempo de estreo: 107 minutos Clasificación: PG Ano: 2021
O filme non conseguiu comprender con eficacia como a experiencia vital e laboral da súa protagonista afectaba á súa vida como persoa e como artista.
Baseado nas memorias homónimas de Joanna Rakoff, o "My Salinger Year" do escritor e director Philippe Falardeau, ambientado nos anos 90, tomou un camiño ruinoso, seguindo as dúas Joanna (Margaret Querley), na súa adolescencia, intentou comezar a súa carreira de escritora e esperaba que se destacase do seu traballo actual como secretaria da Institución Literaria de Nova York.O seu traballo é unha engurra que distingue a esta adaptación doutras moitas películas que os escritores ambiciosos tentan adaptar nas grandes cidades, porque a xefa de Joanna Margaret (Sigourney Weaver) representa Co recluído escritor JD Salinger de The Catcher in the Rye, esta moza dáse conta do ilusión común de contacto estreito cos heroes literarios.Non obstante, isto tamén significa que a película está chea de referencias de moda a obras e personaxes literarios rotos, e esta familiaridade axiña se fai mediocre.
A trama ao longo da historia describe o traballo de Joanna na axencia de fotografía, a súa vida persoal e a trama da súa loita por converterse en escritora, tecidas a medias, coma se estiveses vendo dúas películas diferentes.Aínda que Joanna é un dos misterios máis lendarios do mundo literario, Joanna cre que a súa obra é só un trampolín para a súa carreira, e esta ambivalencia parece que desapareceu na narración de Falado.
Dado que "My Salinger Anniversary" non puido comprender como a súa vida e a súa experiencia laboral afectaron a súa vida como persoa e artista, Joanna sentiuse como un baleiro.Salvo o momento no que dixo que publicou dous poemas, case non sabiamos nada da súa escritura e do seu proceso.Neste caso, o seu narcisista mozo Don (Douglas Booth) está escribindo esta novela, que chamou moito a atención de Falado, algo pouco razoable.dirección.
Houbo, polo menos, algúns momentos emocionantes que fixeron activos os meus anos Salinger, nada máis que o recoñecemento dos fanáticos do centeo entre os vixiantes.Nas institucións literarias, a tarefa de Joanna é responder ás supersticións de Salinger con respostas escritas de antemán por impersoais hai décadas.Mentres os afeccionados miran á cámara mentres len a carta, a película conta implicitamente que a pegada dunha gran obra atrae a todo tipo de lectores e, ao mesmo tempo, parece estar escrita para un só lector.Segundo a política da empresa, foi aínda máis escalofriante cando Joanna cortou en anacos unha carta dun fan inmediatamente despois de completar a súa resposta.
Pero a elocuencia inicial sobre este ángulo converteuse en torpeza, cando Joanna comezou a imaxinar que un determinado fan (Theodore Pellerin) era unha conciencia imaxinaria, e Falado utilizou este personaxe para expresar múltiples expresións.O subtexto da escena.A aparición deste tipo de dispositivo argumental na narrativa doutro xeito simple recordoume sen querer unha historia anterior en "My Saling Year", cando Joanna era unha canalla e respondeu a un partidario coas súas propias palabras Carta de.Joanna díxolle a unha estudante de secundaria que se inspirase en Holden Caulfield e pensase por si mesma.É difícil non pensar que a propia película debería ter escoitado o seu consello.
Actores: Margaret Qualley, Sigourney Weaver, Douglas Booth, Brian Obern, Théodore Pellerin ), Colm Feore (Colm Feore), Senna Haq (Henza Haq) Director: Philippe Falardeau Guión: Philippe Falardeau Estreno: IFC Film Festival Duración de proxección: 101 minutos. : Ano R: 2020
Cal é a diferenza entre o cine e a noticia común, e a súa intervención na realidade, é a diferenza no tempo.
Como sabemos polas comedias de slapsticks, as moscas na parede poden converter calquera escena nun xornal enrolado, os mobles convértense nunha ferrería e nun caótico vórtice de caóticos policías especiais que tentan regodearse.Os documentais que voan na parede levan riscos similares.Tendo en conta como a observación do comportamento cambia necesariamente o que se observa, os cineastas deben escoller sempre a obxectividade da posición relacionada co seu tema; se o tema resulta ser político, isto terá consecuencias complicadas.
Algúns gravadores aceptaron esta contradición e rexistraron a súa intervención como parte da realidade que gravaron.Por exemplo, Joshua Oppenheimer (Joshua Oppenheimer) no "Killing Act" invitou Os autores de asasinatos masivos en Indonesia en 1965-66 reconstruíron o cruel "heroísmo" fronte ao inframundo.cámara.Botando unha ollada superficial, Jill Li, a primeira cineasta, escolleu o método menos práctico do "Curso perdido", no que gravou unha escena en Wukan, unha aldea de pescadores chinesa da provincia de Guangdong.As protestas polacas levaron a un experimento democrático fracasado.
Na primeira parte da película "Protest", cando os veciños de Wu reaccionaron ante a venda de terreos públicos por funcionarios corruptos do goberno, realizaron manifestacións a gran escala e peticións colectivas e foron apoiados por unha folga xeral, a cámara de Li caeu na parte máis profunda. da acción..Co auxe do movemento, a película céntrase no núcleo dalgúns activistas que parecen ter as mellores intencións e están decididos a servir como institución estatal de partido único de China.Ao final, as protestas obrigaron ao goberno a aprobar a petición dos veciños de eleccións libres, e os líderes do movemento foron levados a un lugar no comité da aldea.
A segunda parte "Despois da protesta" abrirase un ano despois das eleccións.O novo comité da aldea caeu nunha burocracia e estaba indefenso e non puido restaurar a terra en Wukan.Ao mesmo tempo, os gobernos de alto nivel seleccionaron o seu liderado, formando así unha cuña entre eles e os electores.A medida que pasaron os anos, a medida que os aldeáns renunciaban ao lento e inevitable declive de Wukan, a súa desilusión desilusionouse.
Agora que non hai moitas protestas, isto abriu espazo para que as linternas brancas e vermellas líricas brillen nunha poza de choiva, ou as avelaíñas son queimadas por zippo cunha crueldade desesperada para mostrar o ritmo da vida diaria e regresar a Wukan.Non obstante, estas aínda son excepcións á regra de que non perturbe a cámara.A regra da cámara só presenta a situación cando se produce a escena e o cineasta nunca interveu na súa propia política nin exerceu criterio sobre os veciños (o que pode explicar a razón de como se lle permitiu rodar a película).En primeiro lugar).Durante todo o proceso, alguén sentiu que estaba cultivando a súa confianza.Están afeitos á existencia da cámara e parecen falar directamente coas persoas que están detrás deles en lugar do público imaxinario, e mesmo corren riscos revelando detalles sensibles.
No clímax do movemento, outros equipos de rodaxe e xornalistas apareceron na periferia, pero cando o po se asentou, o que quedaba era a cámara de Li, afondando no caos diario dos desfiles e espectáculos electorais.A diferenza entre o proxecto de Li e as noticias comúns é a súa intervención na realidade, que é unha diferenza de tempo.Pola súa banda, Robin Li pasou seis anos (de 2011 a 2017) loitando para rodar Wukan, e quizais o máis importante, as consecuencias, que parece irrelevante, pero é unha dedicación ás películas incrustadas, ademais de Coas súas tres horas de duración, isto dálle ao curso a forza da perda.
Esta película pasou moito tempo, non só discutindo a loita de Wu Kan como proceso político chinés a nivel micro, senón tamén realizando estudos de personaxes de persoas relevantes.Mesmo cando o seu entusiasmo e inocencia, mesmo cando abandonaron a loita, se condenaron mutuamente ou perseguían cegamente logros pasados cando o movemento político estaba estancado, a lente de Li mantívose firmemente solidaria.Debido a que a súa política só se pode insinuar a través desta simpatía, deixa que o público aprenda dela e explique a situación.É común que os individuos sexan políticos, pero o "Camiño Perdido" lembra á xente que os políticos tamén son individuos.
Se por fin abriu a serie "Bob Esponja", parece que é o público o que máis decepciona ao público.
"Quen vai embarcar para outra aventura que me fará gañar cartos?"Xa desde "SpongeBob SquarePants Movie: Sponge is Running", berraba como o xefe de Krabby Patty Crabs (Clancy Brown).) Cando chorei.Squidward (Rodger Bumpass), o empregado máis estirado do Sr. Crabs, botou os ollos antes de saír do restaurante de comida rápida submarino.Ante unha película de mercenarios cínicos como esta, é difícil non sentir simpatía por Calamardo, porque a terceira longametraxe baseada na querida serie animada de Nick Layton parece estar dirixida principalmente a atraer adultos, con estrelas identificables que aparecen no relevo de acción real., E películas emblemáticas.Papel náutico.
Cando o inútil rei Poseidón (Matt Berry) secuestrou ao querido caracol mariño de Bob Esponja (Tom Kenny), Gary (tamén Kenny) para usar o seu moco para o coidado da pel, Bob Esponja e Patrick (Bill) Fagerbakke dispuxéronse a rescatalo do perdido. cidade de Atlantic City, que é "un terrible e infame pozo de depravación moral".Os fans de Bob Esponja saberán o que significa Gary para o seu dono e, no campamento de verán, a festa da parella é bonita e seria en retrospectiva.Non obstante, a "esponxa que escapa" ás veces está inconsciente e incapaz de concentrarse na tarefa.Na Cidade Perdida de Atlantic City, hai ata un longo tempo de xogo, onde Bob Esponja e Patrick descobren que non sempre poden concentrarse niso.
A serie de televisión de Bob Esponja sempre lle gustan os momentos aleatorios, e a Sponge on Run tampouco lle faltan estrañezas inofensivas, tal e como Patrick explicou cunha seriedade ridícula cando se presentou unha vez: “O meu nome está nos Celtics.Significa unha tostadora".Pero esta lóxica torpe aparece máis eficazmente nas características pasadas de Bob Esponja, que son unha colección de características de personaxes bonitas e idiosincrásicas.Aquí, a narración en si é absurda.
Unha vez que Snoop Dogg e Keanu Reeves aparecen nunha longa e indefensa secuencia de soños, é unha distracción, non unha ilusión;na secuencia do soño, a herba queima e a cara deste último están nela., Desafía a Bob Esponja e Patrick a liberar a un equipo de baile hip-hop carnívoro.O pirata zombie da berlina Diablo (Danny Trejo).Non obstante, a incomprensibilidade non equivale á falta de propósito, porque as aparicións de convidados de famosos parecen estar recheas con fins de mercadotecnia.Kamp Koral, a precuela desta serie de televisión, estréase con esta película, e na última media hora, abandonando unha serie de tramas e adoptando unha serie de plans de volta ao campamento de verán, isto parece ser parte dunha aventura rendible. .
Bob Esponja sempre foi o máis estraño e marabilloso que permite aos nenos ver a vida mariña como un adulto dunha ollada.En cambio, "SpongeBob SquarePants" abandonou as icónicas boliñas sen sabor da serie e pediu ao público que medrase se quería seguir o ritmo (por exemplo, o festival vulgar menciona "xente adormecida". Vómitos pola noite").
Poucos Sponge on the Run poden atopar o clásico punto doce, xa que os nenos son capaces de entender un humor complexo mentres aínda lles deixan falar cunha estúpida farsa.A marca narrativa de estilo de relevo da serie ás veces móstrase de forma efectiva aquí, por exemplo, cando Patrick e Bob Esponja ven unha visión da escena cambiando á "xanela do mesmo tempo" e cando discuten sobre se as súas aventuras serán máis. .Tempo como unha película de amigos ou a viaxe dun heroe.Non obstante, a parella pode sentirse decepcionada ao saber que a súa persecución desarticulada e aburrida non seguiu unha estrutura tan satisfactoria.Se por fin abriu a serie "Bob Esponja", parece que é o público o que máis decepciona ao público.
Actores: Tom Kenny, Bill Fagerbakke, Rodger Bumpass, Clancy Brown, Mr. Lawrence, Jill Tully (Jill Talley, Carolyn Lawrence, Matt Berry, Awkwafina, Snoop Dogg, Danny Te Danny Trejo, Tiffany Haddish, Reggie Watts Director: Tim Hill Guión : Tim Hill Lanzamento: Paramount + Tempo de lanzamento: 91 minutos Clasificación: PG Ano: 2021
As películas de Anthony e Joe Russo nunca poden escapar do oco inherente ao papel de Cherry.
Tom Holland presenta unha mirada delgada e famentosa ao comezo da “Cherry” de Anthony e Joe Russo, na que vemos aos personaxes do mesmo nome con Amazing way de roubar bancos con medio activo.O mozo carecía de plans e non sabía nada das consecuencias, en parte porque era un adicto aos opioides.Non obstante, como revela o resto da adaptación da aclamada novela semiautobiográfica de 2018 de Nico Walker, a combinación de ignorancia e combinación de Lu impulsou o seu desenvolvemento, e mesmo se volveu viciado en Iraq.Antes da estrada.Chery dixo na narración: "Este ano teño 23 anos e estendei as partes anteriores e máis activas da película, pero aínda non entendo o que está a facer a xente".O centro (se o hai) simplemente non ten lugar.
Despois das palabras de apertura, a película foi acurtada en cinco anos ata 2002, cando Cherry sementou as sementes para a súa futura autodestrución.Do mesmo xeito que Holland xogou con encanto brillante, aínda que se atopaba na situación máis devastadora e perdida, a cereixa aínda rebotou de forma algo aleatoria na súa vida.Primeiro de todo, escoitamos moito del, literalmente, contaba os seus falsos intentos de capturar a vida, mentres pasaba tempo en Cleveland e pasaba tempo con amigos sen ningún lugar e participaba en falsos Xuntos no traballo.Máis tarde, debido a que unha serie de opcións equivocadas restrinxiron as súas opcións, non tería nada que dicir.
No piloto automático da Universidade dos Xesuítas, a compañeira de Cherry, Emily (Ciara Bravo), sentiuse moi pesada e mostroulle ao público o seu aspecto: un modelo de autoconfianza brillante e fermoso, a súa autoconciencia e o seu humor astuto coincidían co seu .Aínda que a vida de Emily parece ser máis harmoniosa, ao final aínda está chea de misterios na película como a vida mesma.A súa relación é inestable pero inestable.Despois de loitar con Cherry, quedaron aínda máis impresionados cando Cherry uniuse ao exército durante o período máis intenso da guerra de Iraq.Máis impulsivamente, casaron antes de que el marchara.
A parte media de Cherry remóntase ao servizo militar do noso protagonista e é a máis convincente.Para unha película de 20 minutos que se estreou durante demasiado tempo, toda a secuencia de adestramento básico parece moi redundante.O absurdo da vida militar pon de novo en evidencia a perda de Cherry neste mundo que parece ser só unha mala broma para el.En Iraq, Russos describe algunhas escenas de acción a gran escala con imaxes impresionantes, pero non está seguro de equilibrar a experiencia de Cherry como médico de combate co trauma emocional causado polo humor da ictericia.
Nos Estados Unidos, debido á falta de orientación, a vida de Cherry colapsou rapidamente debido ao desenfoque do TEPT.El e Emily obsesionáronse coa heroína, que a curto prazo provocou peculiaridades como roubar cartos aos comerciantes, problemas de fluxo de caixa e roubo a bancos.En comparación coas escenas anteriores, a nova vida criminal da parella e os retos aos que se enfrontan no abuso de drogas e na desintoxicación teñen unha maior inmediatez e dramatismo que as escenas anteriores, e as escenas anteriores tenden a verse desde a distancia ou mesmo a evolucións significativas.Pero esta película aínda non pode escapar do oco inherente de Cherry como papel.
Ao vincular a catástrofe da guerra no estranxeiro coa catástrofe da adicción na casa e a falta de rumbo de Cherry ante Iraq, os cineastas parecen dar a entender que Estados Unidos é propenso ao perigo e non sabe nada de riscos.Non obstante, aínda que esta película inclúe moitos temas clave e está chea de acontecementos e sentido do humor, o seu estilo consciente (desde a narración directamente á cámara ata a cámara lenta ata técnicas visuais como lavar todo o fondo e facer que os personaxes aparezan de súpeto) cores brillantes-simples representacións quítanlle a oportunidade de dicir moito.O cineasta toma decisións estrañas e remata con vagas esperanzas, pero non hai un diálogo que axude a explicar a cereixa na súa vida.Os cambios que se poidan producir só enfatizan o seu fracaso para articular a súa vida. papel principal, en lugar de perderse.
Actores: Tom Holland, Ciara Bravo, Jack Reynor, Jeff Wahlberg, Forrest Goodler K (Forrest Goodluck), Michael Gandolfini (Michael Gandolfini), Michael Rispoli (Michael Rispoli), Daniel R. Hill (Daniel R. Hill) Directores: Anthony Russo , Joe Rose Guionista: Angela Russo Osto, Jessica Goldberg Lanzamento: Apple TV + Duración: 140 minutos Clasificación: R Ano: 2021
Se o mundo fóra do Supermercado Veran está cheo de pobreza e crime, entón non o entenderemos desde este pequeno casulo.
Para o director Tali Yankelevich, é fácil pintar un humilde retrato dunha tenda de comestibles brasileira no corazón do supermercado My Darling, onde o foco está no desperdicio, os traballadores de baixos salarios e os activistas raciales.Despois de todo, Brasil é un país definido pola desigualdade de ingresos e a loita de clases.En cambio, Yankelevich optou por algo máis interesante, utilizando unha cámara deslizante, unha partitura caprichosa e a beleza do algodón de azucre, facendo que o Supermercado Veran de São Paulo parezase ás Galeries Lafayette de París.
Non hai insatisfacción nin inxustiza aquí, só estantes brancos, produtos deliciosos e traballadores aos que lles encanta traballar.Algúns mesmo admiten establecer contacto cos clientes.Outros presumen da variedade de persoas coas que entran en contacto todos os días.A relación entre compañeiros é do período universitario no soño.Se o mundo exterior está cheo de pobreza e crime, entón non o saberemos deste pequeno casulo.
O enfoque fantástico de Yankelevich foi tan intencionado e coherente que a película nunca se sentiu como un anuncio dun país sanitario inexistente.Polo tanto, o meu supermercado Darling está máis preto da ensoñación, un retrato dun lugar demasiado concentrado, e este lugar ignora felizmente a macrorealidade circundante.Mentres a cámara de Yankelevich flota polo espazo da tenda, recompuxo viñetas de observación e testemuños do seu empregador, anécdotas que adoitan facer de Gonzo unha realidade.No proceso, a cámara humaniza a forza de traballo normalmente invisible.
Yankelevich non lles roubou historias deliciosas, senón que pediu aos traballadores que nos contasen as súas paixóns, peculiaridades e soños.Coñecemos a un estibador de almacén que estaba obsesionado cos xogos de construción de cidades e sospeitaba que alguén atoparía o seu lugar de traballo digno de atención no cine.George Orwell foi un profesional histórico, porteiro cantor, teórico da conspiración e un teórico da conspiración.Un amante do anime de fala xaponesa, un empregado convencido persegue o supermercado e un garda de seguridade que espera que a súa cámara de vixilancia poida determinar o paradoiro do seu fillo.
O máis sorprendente é que aínda que nunca sentimos que a cámara pasase tanto tempo con eles, todos os seus problemas existían.Como se estivesen cheos de todo tipo de profunda contemplación no aburrimento e no automatismo, fixo que o seu traballo fose máis aburrido e finalmente atopou un público disposto.Quizais esta sexa a motivación interna da forma documental, a cámara atrae a descoñecidos que necesitan oíntes tardíos.A razón pola que Yankelevich fixo xustiza non foi pola súa auto-xustiza, senón porque recoñeceron a riqueza das cousas que soñaban e soñaban con eles.
Crise de Nicholas Jarecki é un thriller procesual deseñado para facer fronte á corrupción e os fracasos que provocaron a epidemia de opioides nos Estados Unidos.A estrutura desta película é o motivo da súa existencia, que é o foco principal da imaxinación de Jarecki, porque o director e director creou tres liñas argumentais que mostran como se alimenta a adicción aos opioides en diferentes clases da sociedade: Os empresarios na rúa comercian con farmacéuticos sombríos.A estas universidades, as compañías farmacéuticas proporcionan aos profesores un alto financiamento para “marcar verde” a súa investigación;entre Canadá e Estados Unidos, as axencias policiais realizan transaccións con traficantes.A guerra en curso.Ao priorizar o proceso do sistema antes que o protagonista, "Crisis" invita case deliberadamente a facer comparacións con calquera das películas de Steven Soderberg.
A influencia dos procesos profesionais nas relacións interpersoais é a principal obsesión de Soderberg como artista, e xurdiu desde as súas sensacionais obras ata os seus experimentos de baixa fidelidade.É bo empregando un só sufrimento humano para informar puntos de conversación e procedementos potencialmente aburridos, como os dolorosos primeiros planos de Benicio del Toro en Traffic, e o inquietante A especificidade clínica e o medo ao formato Kromberg levaron á difusión de enfermidades infecciosas.Pola contra, a realización cinematográfica de Jarecki ten unha calidade estimulante de ida e volta, o que implica que os tres pilotos de televisión se unen ao azar para demostrar un punto obvio.Jarecki pode non estar seguro de se o seu tema centrado nos opiáceos é suficiente para manter unha película, polo que recorre aos clichés da vinganza criminal, desde a nai de vinganza ata a policía, é demasiado honesto para este mundo fráxil.A crise rematou cun final aburrido de 30 minutos.
Na actividade de arbitraxe, Jarecki confundiu intelixentemente os melodramas cos activistas, utilizando a sedutora actuación de estrelas de cine de Richard Gere como magnate dos fondos de cobertura, facéndonos atractivos A disfunción social da forza é confundida polos arquitectos.Martin Scorsese (Martin Scorsese) en "Wolf of Wall Street" (Wolf of Wall Street) intensificou este truco de atraer ao público ata o extremo, admitiron que a avaricia social é a nosa propia amplificación, ao tempo que se ofrecían a facer que o público divertise. ser capaz de manexar con habilidade o mal comportamento sen ningunha consecuencia.
A crise demostrou que Jarecki esquecera esta técnica, porque os peóns ríxidos probaban ou estimulaban estereotipicamente ao público, e non os distraían, salvo algunhas suxestións obrigatorias que os guionistas detrás de escena suxerían ao guionista que marcase a caixa.Cando se trata cos gángsteres canadenses e armenios de fentanilo, a determinación do axente secreto da DEA Jack Kelly (Armie Hammer) nunca foi torturada nin censurada, e a adicta Claire (Evangeline Lilly) que se está recuperando cando investiga a mortal sobredose de drogas do seu fillo. apenas pestanexou.Ser asasinado.Algunhas persoas pensan que a morte dun fillo pola propia elección de drogas da nai levará a posibles recaídas e a certas ideas ou incidentes que foron investidos coa presión de supervivencia, pero esta posibilidade só foi borrada.Pola contra, Jake e Claire son considerados heroes de películas de acción.
A historia máis ambiciosa e posiblemente perturbadora da crise é tamén a máis ridícula.O doutor Taryn Brower (Gary Oldman), un veterano científico e educador que leva moitos anos experimentando cun centavo dunha gran compañía farmacéutica (Big Pharma), quedou impresionado.Os doadores poden querer algo a cambio, é dicir, aprobar unha droga ficticia, supostamente non adictiva, que pode ser máis letal que as drogas letais.Oxycam.Tendo en conta a experiencia profesional do personaxe, a inxenuidade de Tyrone, interpretada por Alderman histericamente, parece ridícula, e Jarecki desperdiciou aquí as mellores ideas da película.
Cando Tyrone ameazou con informar ao informante, universidades e compañías farmacéuticas desenterraron unha antiga reputación de acoso sexual, o que o fixo notorio, aínda que o impacto emocional desta ameaza e a hipocrisía de Tyrone como persoa que se cre que era a verdade nunca se descubriu.De feito, o cineasta quedou tan sorprendido pola vida interior dos seus distintos personaxes que mesmo ignorou a influencia do famoso matrimonio de Tyrone no seu matrimonio.A crise cambiou unha e outra vez o elemento humano da historia, é dicir, o drama, a cambio de estatísticas de drogas que Google pode buscar en poucos segundos.
Actores: Gary Oldman, Arme Hammer, Evangeline Lilly, Greg Kinnear, Kid Cudy (Kid Cudi), Luke Evans, Michelle Rodriguez, Indira Vama (Lily-Rose Depp), Mia Kirchner (Mia Kirshner, Michael Aronov, Adam Suckman, Veronica Ferres). , Nicholas Jarecki, Daniel Jun ), Martin Donovan Director: Nicholas Jarecki Guión: Nicholas Jarecki Estreno: Quiver Tempo de lanzamento: 118 minutos Clasificación: R Ano: 2021
As cookies necesarias son absolutamente esenciais para o normal funcionamento do sitio web.Esta categoría só contén cookies que garanten as funcións básicas e as características de seguridade do sitio web.Estas cookies non almacenan ningunha información persoal.
Calquera cookie que poida non ser particularmente necesaria para o funcionamento do sitio web e que se utilice especificamente para recoller datos persoais dos usuarios mediante análises, publicidade e outros contidos incorporados denomínanse cookies innecesarias.Debe obter o consentimento do usuario antes de executar estas cookies no seu sitio web.
Hora de publicación: 02-mar-2021